Revue de Broadway « The Who’s Tommy »: toujours une sensation

L’une des définitions de la grande musique pourrait certainement inclure la capacité d’affronter le présent – ​​et le futur – de front et d’en sortir indemne, voire triomphant. Selon cette norme et bien d’autres, Le qui est Tommyouverture ce soir le Broadwayest une preuve palpitante que le premier album concept de 1969 est vraiment une excellente musique.

Glorieusement réalisé par Des McAnuff et mis à jour par lui et le compositeur-parolier Pete Townshend à partir de leur propre mise en scène originale de Broadway de 1993, Le qui est Tommy est une poussée incessante d’énergie électrifiée, un flipper d’une production qui synchronise le panache visuel avec des chansons vieilles de 55 ans qui semblent aussi vitales aujourd’hui qu’elles doivent l’être à Woodstock. Les thèmes de l’illumination et de la connexion, du traumatisme et du rétablissement, de la vérité et des mensonges (ou des vérités alternatives, dans le langage grotesque de quelqu’un) et du culte du héros avec des œillères semblent plus pertinents au 21e siècle que Townshend aurait pu l’imaginer à la fin des années 60. .

Avec un superbe casting dirigé par le nouveau venu de Broadway, Ali Louis Bourzgui dans le rôle de Tommy, le « enfant sourd, muet et aveugle » – la plupart des langages moins qu’acceptables selon les normes d’aujourd’hui ont été retenus – et Alison Luff dans le rôle de sa mère, Mme Walker, Tommy Cela ressemble moins à une renaissance qui s’en tient à ce qui fonctionne qu’à une réimagination de haut en bas. Presque tout fonctionne à merveille.

Ni la musique – de « I’m Free », « See Me, Feel Me », « Sensation » et « Pinball Wizard » à « Acid Queen », « Christmas » et « Tommy, Can You Hear Me ? – et l’intrigue n’a pas non plus beaucoup changé au cours des 55 dernières années depuis que le premier a attiré pour la première fois les auditeurs de la radio FM et que le second a déconcerté les hippies défoncés dans l’espoir de lui donner un sens (l’album n’était pas accompagné d’instructions).

Donc, l’intrigue : Dans un bref préambule se déroulant en 1941, l’officier britannique Captain Walker (Adam Jacobs) rencontre et épouse la future Mme Walker (Luff). Il retourne au combat – représenté de manière effrayante avec des projections d’archives et des silhouettes au pas d’oie de nazis en marche – où il est capturé et envoyé dans un camp pendant qu’elle donne naissance à leur fils Tommy. En supposant que son mari soit mort, Mme Walker s’associe à un nouvel homme (Nathan Lucrezio), pour être choquée lorsque le capitaine rentre chez lui. Une bagarre laisse l’amant mort et Tommy, qui a tout vu, traumatisé.

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« Vous ne l’avez pas entendu, vous ne l’avez pas vu !/Vous ne direz rien à personne/Jamais dans votre vie », chantent maman et papa à Tommy terrifié. Pour le moins, il prend leurs remontrances à cœur, se repliant sur lui-même et se regardant sans cesse dans un miroir.

Le premier acte de la comédie musicale dépeint Tommy à l’âge de 4 et 10 ans – ainsi que, moins fréquemment, Tommy adulte de Bourzgui, interagissant avec eux – à travers diverses aventures serait une façon polie de le dire. Il a prié (« Noël »), examiné médicalement (« Sparks »), emmené dans diverses drogues et repaires sexuels d’iniquité (« Eyesight to the Blind » et « Acid Queen »), tourmenté par un cousin sadique (« Cousin Kevin » ) et, dans « Fiddle About », laissé seul avec son oncle Ernie (John Ambrosino) sexuellement violent – ​​pas de sujet de rire dans ce récit, contrairement à la version cinématographique grotesque de Ken Russell de 1975.

C’est le cousin Kevin – terriblement joué par Bobby Conte – qui stimule par inadvertance la percée de Tommy et mène la comédie musicale jusqu’à la finale époustouflante de l’acte I : après une certaine cruauté à la maison, il emmène son jeune protégé dans un centre communautaire pour jeunes local, où Tommy est mystérieusement attiré par un flipper. Le reste, comme on pourrait le dire, appartient à l’histoire du rock and roll, alors que Tommy étourdit la salle pleine d’adolescents avec une maîtrise inexplicable de la machine électrique.

Bien sûr, on attend beaucoup de « Pinball Wizard », l’une des chansons les plus appréciées du catalogue The Who, et dans la chorégraphie exubérante et best-of-show de Lorin Latarro, toutes les attentes sont satisfaites. Les adolescents explosent presque dans une danse fiévreuse d’exaltation et d’émerveillement la mâchoire molle.

La seconde moitié de la série suit l’ascension de Tommy de héros local à célébrité nationale – l’une des meilleures idées de Townshend a toujours été la substitution de la magie du flipper à la célébrité du rock – y compris sa percée émotionnelle (« Smash The Mirror », « I’m Free »). quand sa vue, son ouïe et sa parole reviendront. Le « Miracle Cure » l’envoie vers les sommets de la célébrité (« Sensation ») et dans ses profondeurs (« Sally Simpson »).

À ce stade du spectacle, la comédie musicale s’écarte à la fois de l’album et du film en éliminant la chanson « Tommy’s Holiday Camp », dans laquelle le vieil oncle Ernie répugnant (joué pour rire dans le film par Keith Moon de The Who) est de retour dans Tommy’s. bonnes grâces et organiser une retraite sur le thème de Tommy pour les fans. Pas de pardon général ici : la dernière fois que nous avons vu le pédophile alcoolique et abattu, il reste à l’écart du reste de la famille Walker. Même le cousin Kevin a retrouvé le chemin du retour, mettant à profit ses vilaines compétences (à l’insu de Tommy) en tant qu’agent de sécurité autoritaire de la famille, avec un long manteau qui atterrit quelque part entre la Chine communiste et 1984.

La reine de l’acide (Christina Sajous), comme son cousin Kevin, reçoit un peu, sinon une exonération, du moins une certaine compréhension : la travailleuse du sexe impénitente et trafiquante de drogue du portrait de Tina Turner, chargée d’effectuer une sorte de guérison en corrompant l’enfant. Tommy est montré ici comme une victime elle-même, avec un ou deux proxénètes qui lui fournissent l’héroïne qui la maintient en ligne.

Dans tous les cas, « Tommy’s Holiday Camp » n’est pas manqué, le bien plus beau « Welcome » remplissant la même fonction : transmettre la tentative de Tommy de se connecter avec ses partisans tout en rejetant leurs attentes messianiques. Cela ne se passe pas bien, comme en témoigne le plus grand hymne de soulèvement populaire et de défi du rock (interprété ici par l’excellent chœur de la production, avec le mot « break » remplaçant « viol », un sentiment odieux même en 69). .

« Nous ne l’accepterons pas, nous ne l’avons jamais fait et nous ne le ferons jamais
Je ne veux pas de religion et pour autant que nous sachions
Nous ne t’emmènerons pas, nous ne l’avons jamais fait et ne le ferons jamais
On ne va pas te prendre, on t’abandonne, on va te briser
Mieux vaut t’oublier encore »

À partir de là, tout est fini, sauf la finale de Barnburner, une reprise complète de « See Me, Feel Me »/« Listening To You » qui a mis le public debout et rugissant lors de la performance révisée, une réception qui avait été taquinée. non seulement par une distribution irréprochable et une partition entraînante (l’orchestre et les orchestrations répondent parfaitement à l’occasion), mais aussi par plus de deux heures de magie visuelle. Le scénographe David Korins (Hamilton) a conçu une base trompeusement minimaliste, avec de grands espaces ouverts, des canevas et des meubles qui peuvent sembler de simples suggestions – le flipper n’est guère plus qu’un cadre. En éclaboussant cette toile caverneuse d’extraordinaires jeux de lumière (avec l’aimable autorisation de la designer Amanda Zieve) et des projections de pointe de Peter Nigrini, le monde de Tommy est moins les buzzers et les cloches des flippers d’antan qu’un mash-up en 3D de Tronspectacle laser de style et réalité virtuelle vous y êtes. Il y a même des techniques mixtes à la Ivo van Hove pour faire bonne mesure.

Les costumes extrêmement inventifs de Sarafina Bush, capturant l’essence de chaque époque sans être victime du croque-mitaine du théâtre musical de la réplication des costumes d’Halloween, correspondent aux projections sautantes de Nigrini, du Blitz à la VR, à chaque étape du processus. La terne d’après-guerre cède la place au flash Teddy Boy, qui fait suite aux premiers Beatles de l’ère du cuir et, inévitablement, aux gris dystopiques futurs-rétro-fascistes qu’Orwell lui-même aurait pu imaginer. À chaque époque, Bush envoie des crapauds soldats-droog-robots noirs aux casques élégants pour commettre n’importe quelle bêtise.

Faire sauter tout, très littéralement, est la chorégraphie exaltante de Latarro, jamais meilleure que dans les années 50 et 60, célébrations folles de l’abandon des adolescents, que ce soit le West Side Story le ruffianisme de « Tommy, Can You Hear Me » ou cette merveilleuse danse d’arcade de « Pinball Wizard ». Surveillez les détails : à un moment donné, alors que le jeune Tommy éblouit la foule avec sa magie de Bally Table, les garçons et les filles enthousiastes soulèvent les pieds du garçon si haut que le corps de l’enfant se trouve à un angle de 2 heures, attaché uniquement au machine par ses doigts fous de flipper. Cela peut-il être autre chose qu’un hommage à la photo emblématique d’un jeune Elton John donnant des coups de pied derrière lui tout en frappant les touches de son piano, la métaphore de Townshend, magicien du flipper et rock star, clairement exprimée dans un moment de théâtre joyeux ?

Bien sûr, rien de tout cela ne fonctionnerait sans un casting pour le justifier, et McAnuff, un réalisateur exemplaire qui n’a vraiment jamais été meilleur, a réuni un groupe très digne. Bourzgui, sa tignasse sauvage de cheveux noirs bouclés couronnant un beau visage dominé par les grands yeux sombres de Bette Davis qui restent écarquillés et vides jusqu’à ce qu’ils ne le soient pas, est l’une des véritables trouvailles de cette saison. Avec des mouvements excentriques et angulaires qui s’arrêtent juste avant le robot, Bourzgui passe des expressions guinées d’un homme emprisonné dans son corps aux gestes fluides et émouvants de son moi adulte guidant ses itérations plus jeunes perdues pour elles-mêmes. Les mouvements de rock star qui finissent par arriver semblent tout à fait inévitables, sa voix trouvant tout au long du film le juste équilibre entre le hurlement de Roger Daltrey et le contrôle du théâtre musical.

Soit dit en passant, ces itérations plus jeunes de Tommy ont été jouées lors de la performance revue par Olive Ross-Kline (Tommy à 4 ans) et Quinten Kusheba (10 ans), tous deux (adorablement) perruques avec la même crinière indisciplinée de Bourzgui sports, et tous deux ont eu des chances. briller en tant qu’acteurs et chanteurs. (Ross-Kline et Kusheba partagent les rôles avec respectivement Cecilia Ann Popp et Reese Levine ; celui qui a pris la décision de choisir le plus jeune Tommy avec des filles, brava).

Pas de maillon faible non plus dans le reste du casting. Conte, si bon dans le dernier film de Broadway Entreprise, n’en est pas moins un point positif ici, trouvant à la fois l’humour et la menace chez le cousin Kevin, « le tyran de l’école, le tricheur de la classe, le copain de jeu le plus méchant que vous puissiez rencontrer ». Conte reçoit peut-être la chanson la plus sous-estimée de la partition (« Cousin Kevin », écrite par le bassiste de The Who, John Entwistle), et il continue avec.

Luff, en tant que mère de Tommy qui souffre depuis longtemps, parfois malavisée mais toujours dévouée, est une merveille, atteignant un zénith du spectacle avec le raver de l’acte II « Smash The Mirror ». (Elle est tout aussi impressionnante avec la ballade en duo mari-femme plus calme « I Believe My Own Eyes » avec Jacobs, bien que ce numéro, ajouté par Townshend longtemps après l’album rock original, reste le pouce malade de la comédie musicale.)

Parmi le très grand ensemble, on peut citer Sheldon Henry dans le rôle du proxénète Hawker qui présente l’Acid Queen avec « Eyesight To The Blind » (un numéro bluesy menaçant fortement redevable, pour le moins, au grand Sonny Boy Williamson). Sajous, en tant qu’Acid Queen, n’a pas la puissance vocale hurlante de la nature de Tina Turner du film – qui l’a ? – mais donne au personnage et à la chanson sensuelle une profondeur blessée qui semble bien du moment.

Lorsque Townshend a écrit la question centrale de l’album : « Pouvez-vous m’entendre ? – en 1969, il aurait pu adresser les paroles à son alter ego fictif Tommy, mais les auditeurs perspicaces ont reconnu le plaidoyer en faveur d’une connexion plus large, qu’elle soit spirituelle, communautaire, familiale ou même personnelle. Toutes ces années plus tard, la question reste au cœur des préoccupations Le qui est Tommyet nous pourrons répondre, avec grand plaisir, fort et clair.

Titre: Le qui est Tommy
Lieu: Théâtre Nederlander de Broadway
Directeur: Des McAnuff
Livre: Pete Townshend et Des McAnuff
Musique et paroles : Pete Townshend
Chorégraphie: Lorin Latarro
Casting: Ali Louis Bourzgui, Alison Luff, Adam Jacobs, John Ambrosino, Bobby Conte, Christina Sajous, avec Haley Gustafson, Jeremiah Alsop, Ronnie S. Bowman Jr., Mike Cannon, Tyler James Eisenreich, Sheldon Henry, Afra Hines, Aliah James, David Paul Kidder, Tassy Kirbas, Lily Kren, Quinten Kusheba, Reese Levine, Brett Michael Lockley, Nathan Lucrezio, Alexandra Matteo, Mark Mitrano, Reagan Pender, Cecilia Ann Popp, Daniel Quadrino, Olive Ross-Kline, Jenna Nicole Schoen, Dee Tomasetta, et Andrew Tufano.
Durée de fonctionnement : 2h10 (entracte compris)